Il Futuro? Solidale…

Francesca Fariello

Francesca Fariello e la sua musica: un fiore di ciliegio nella lava del Vesuvio

in La Musica/Simonetta Santamaria Blog by

Dalla Cina a Napoli, passando per la letteratura: quando la contaminazione non ha confini.

Un Articolo di Simonetta Santamaria
Un articolo di Simonetta Santamaria

Bella, è bella anzi, di più. Ed è brava anzi, di più. Francesca Fariello, cantante, compositrice, autrice: un’artista a tutto tondo che spicca nel panorama musicale italiano come “fiori di ciliegio nella lava del Vesuvio”. Con il suo rock dalle sonorità a tratti prog, riesce a evocare antiche atmosfere o che spaziano dal gotico fino alla cultura cinese. In italiano o in inglese fino ad arrivare – uditeudite – al cinese, le sue composizioni hanno un solido background, niente è lasciato al caso, e accompagna l’ascoltatore a scivolare dentro i suoi concept album con la naturalezza dei grandi.

Sta cavalcando i meritati successi dei suoi due album e, tra una tappa e l’altra, IoGiornalista le ha rubato qualche momento per farle alcune domande. Intervistiamola…

Francesca, i complimenti per la tua bravura e professionalità sono d’obbligo. Detto ciò, la prima  domanda che nasce spontanea è: un’artista “meridionale” come te, una napoletana che decide di non restare ingabbiata nella tradizione ma sfida il mercato cantando pop e rock, in inglese e perfino in cinese, quante difficoltà deve affrontare per ritagliarsi la propria fetta di mercato?

Oltre che ringraziarti, mi complimento con te per aver colto la mia inclinazione all’evasione dalle “gabbie”; la libertà è qualcosa che bisogna guadagnarsi minuto per minuto di questi tempi…ed io sono una ribelle…una silenziosa ribelle…silenziosa finché non salgo su un palco!

Avendo lavorato come vocalist sin da giovanissima, ho sempre separato lo “strumento voce” dal cantautorato che, invece, è stato il mio canale comunicativo sin dai tredici anni. Per molti anni le canzoni che scrivevo sono state “soltanto mie”, al massimo potevano ascoltarle qualche familiare e gli amici. Fino alla tarda adolescenza quello che cantavo in pubblico o per lavoro era ben lontano dalle canzoni che scrivevo e che riempivano la mia stanza. Ero una cantante, una vocalist. Poi quando ho scelto di portare in giro le mie canzoni ho iniziato a sentire emozioni molto più forti. Durante i live incontrare persone con cui creare complicità, dividere la mia storia in musica era molto rischioso, ma molto più forte del sentirmi dire che ero stata brava a cantare una cover. Pensare a una fetta di mercato da ritagliarsi è molto difficile, soprattutto se sei un cantautore e non un imprenditore, figuriamoci di questi tempi: il mercato musicale è in black out. Noto comunque, anche da utente e fruitrice di musica, che la scena indipendente si sta diffondendo notevolmente. I concerti creano opportunità d’incontro tra pubblico e artista, le tue canzoni possono raggiungere persone la cui sensibilità potrebbe rivelarsi affine alla tua e pian piano ci si sceglie, ci si segue.

Accetto comunque i “limiti” dello scegliere la strada della spontaneità; la strada che mi è stata insegnata dai miei familiari e dai miei insegnanti. Ricordo, in particolare, quando in momenti in cui esprimevo il mio disappunto per situazioni “musicali e lavorative” che mi stavano strette, e cercavo di capire quale fosse la strada giusta, se piegarmi, cambiare per entrare nel mercato, mio padre mi rimproverava. Mi diceva: “Tu sei una cantautrice!”, mi parlava della sua adorata Joan Baez, mi diceva che dovevo occuparmi solo di suonare la “mia musica”, di non essere a caccia di successo “… se arriverà che ben venga, ma se il successo è il tuo obiettivo, dal momento in cui non puoi cambiare te stessa, cambia lavoro e diventa un imprenditore!”. Ancora oggi è così: ciò che mi rende felice è suonare, anche quando nessuno mi vede, cantare perché sono felice o perché sto soffrendo, e qualunque sia il sentimento che provo…in musica, suonandolo e cantandolo diventa gioia, mi riempie…poi se c’è un pubblico con cui scambiare emozioni tanto meglio!

L’incontro tra cantante e cantautrice per il pubblico è avvenuto dopo una gavetta che l’ha vista anche corista e vocalist per grossi solisti. La scelta del genere non è casuale. Come lei stessa dichiara, è cresciuta a pane e musica, anglofona perlopiù; dal jazz alla lirica, passando per il rock e il prog, e chi più ne ha più ne metta. Tuttavia, Francesca riesce a contestualizzare nella sua musica anche Napoli, la sua radice più profonda.

La contaminazione quindi: quanto è presente e quanto incide nella tua produzione?

La contaminazione è un processo che si avvia naturalmente già su un piano culturale. Sono nata in un luogo bellissimo: il Vesuvio alle mie spalle e gli occhi rivolti verso il mare. Appartengo a un popolo di mare e non continentale, ho vissuto già la stratificazione dei sincretismi culturali intellegibili nella storia di una citta di mare come Napoli, luogo di grandissimi scambi culturali e commerciali…Ho sempre lo sguardo rivolto verso il mare per guardare “oltre”, per arricchirmi delle diversità di popoli così lontani eppure così vicini. È stato così che fin da bambina, aiutata dall’atmosfera culturale familiare, ho studiato e ascoltato il richiamo di echi di culture più lontane ed è stato così che, con una visione comparatistica, il Vesuvio poteva apparirmi così simile al Monte Fuji; lo Zibaldone leopardiano mi si presentava tra le righe come un nikki, un diario tipico della letteratura giapponese di epoca Heian. La mia mente poteva riempirsi di termini e frasi in inglese, italiano, napoletano, cinese, francese, potevo divertirmi a tradurre qualche 成语 chengyu, espressioni idiomatiche della lingua cinese, trovandone l’esatto corrispettivo solo attraverso il napoletano, come una lingua che funge da “switch-code”… ma la musica… la musica è sempre stata il collante di tutto. La musica è un linguaggio universale, può vestirsi di qualsiasi lingua per i suoi testi…Melodia e armonia possono far viaggiare l’anima nei luoghi più disparati del Cosmo e allo stesso tempo, su un piano introspettivo, si possono raccontare gli angoli più bui dell’interiorità e bagliori che portano l’uomo così vicino al divino. Direi proprio di sì, la contaminazione è assolutamente presente e incisiva nelle mie produzioni, perché è attiva nel mio modus vivendi; per me la musica è contaminazione, è la più magica formula di sincretismo.

I suoi sono concept album, come nella miglior tradizione musicale (e anche la più complessa da elaborare). Il primo, Sakura no Nikki, ispirato all’arte letteraria giapponese di scrivere diari. Perché, tra le varie, Francesca intanto si laurea in cinese all’Orientale di Napoli, cosa che le consentirà di penetrare appieno la dimensione orientale e trasporla in musica. Ma non solo: anche la letteratura ha una grande influenza, tanto da lasciarsi ispirare da Oscar Wilde per un suo brano, dal titolo Dorian Gray, appunto.

Lasciarsi ispirare da un racconto per un brano musicale: in genere è più facile immaginare il contrario…  Come avviene la magia?

Letteratura e Musica: le parole hanno un suono e la musica…la musica ha sempre una storia da raccontare!!! Libri e canzoni sono stati come navicelle spaziali in tutta la mia vita, velivoli super veloci per far volare la mia fantasia. Parole, accordi, melodie…ci sono dei libri che ho letto e riletto decine di volte, personaggi in cui ti ci ritrovi o che possono evocare alla mente persone e storie che hai realmente conosciuto e vissuto. Come per magia, lettere e caratteri iniziano a staccarsi dalle pagine. Determinate storie continuano a vivere nella tua mente anche quando hai finito di leggere un racconto. Mi capita spesso, di sera, tra una pagina e l’altra, di chiudere un libro e di avvicinarmi al piano o alla chitarra…lascio che la suggestione prenda il sopravvento, le mani radunano un accordo e la mia voce inizia ad accennare una melodia. Poi ci sono parole che vengono fuori come un discorso appena interrotto. A un certo punto mi fermo ad annotare versi su un taccuino e ho come l’impressione che quelle parole non indichino più con precisione se stanno parlando di me o della storia che ho appena finito di leggere.

Il suo secondo concept album, ZerO, è un’esplosione di creatività. Alla realizzazione hanno collaborato fior di musicisti tra cui due batteristi d’eccezione: Charlie Morgan (Elton John, Tina Turner)  e Poogie Bell (David Bowie, Erykah Badu, Marcus Miller). Il collante di ZerO è il non-tema. Zero, in quanto metafora dello svuotamento della coscienza dell’artista, e creazione di uno spazio in cui poter esprimere se stessi e sentirsi al contempo protetti. Anche qui ritroviamo dei richiami alla letteratura e ai suoi personaggi: Stoker e LeFanu, Conrad, Shelley, scelta tanto originale da spingere l’attore e regista Alessandro Palladino a trasporre il tutto in un vero e proprio spettacolo teatrale, “I Mostri di ZerO”, un viaggio nella natura umana attraverso musica e testi. E poi c’è un brano che manifesta disappunto verso il dilagare dei talent show, Target.

La formazione di un vero artista è sudore e sangue; troppo spesso la televisione sforna presunti fenomeni senza substrato che affondano dopo il primo bagnetto. Spiegaci il tuo punto di vista.

Per me è una questione di scelte. Siamo in un’epoca del tutto e subito; è un’epoca in cui i social network sono carburanti dell’ego; apparire in tv è diventato sinonimo di riconoscimento della preparazione personale. Il talent è uno spettacolo televisivo, la musica esiste da prima e a prescindere dalla televisione. Vive anche quando premi “off” sul telecomando…basti pensare che l’apice dell’emozione creata dalla musica si raggiuge quando gli occhi si chiudono. Parlando su un piano tecnico e in ambito di acquisizione di competenze professionali, la durata di un programma televisivo è chiaramente insufficiente per formare un individuo, facendolo gareggiare come un cavallo. Il talento è un punto fondamentale nell’artista, ma è un punto di partenza se la musica deve diventare un “lavoro”. Ricordo ancora quando a 15 anni, a lezione dal mio primo maestro di canto desideravo imparare ad usare la voce, estendere il mio registro per raggiungere le note più alte; il mio unico obiettivo era impadronirmi della tecnica per dare più forza alle emozioni che avrei voluto gridare agli altri, tutte le volte che la mia timidezza nel quotidiano non mi permetteva di farlo…Tornavo da scuola e mi esercitavo ore ed ore, dovevo migliorare, imparare le canzoni che provavo più volte a settimana nei garage della provincia con la band. Volevo essere preparata a sufficienza per le serate dal vivo nei locali. Solo dopo molti anni mi sono sentita pronta per registrare un disco. Oggi è diverso, essere famosi è più importante di essere preparati, di essere credibili.


E, sempre nel frattempo, la vita di Francesca continua a cambiare. Lei sostiene che Band è Meglio perché in gruppo si è più forti, e così nuova band composta da Gianluca Capurro alle chitarre, Lorenzo Scaperrotta al basso e Domingo Colasurdo alla batteria…nuova vita, nuovi progetti. Anche in lingua cinese. Ci aspettano dei crossover molto, molto interessanti. All’inizio della nostra chiacchierata l’ho definita una cantautrice originale come “fiori di ciliegio nella lava del Vesuvio”… E anche questo è un suo progetto che vedrà presto la luce grazie alla collaborazione del disegnatore Enzo Troiano: una graphic novel sulla vita della Piccola Sakura. E, sulle note di quest’ultima, delicatissima immagine, noi ci congediamo e auguriamo a Francesca Fariello una lunga e luminosa carriera come merita un’artista con le sue capacità.

In attesa della tua prossima produzione, raccontaci di questa graphic novel…

Collaborare con Enzo Troiano è un’esperienza fantastica! È un’eccellenza nel campo del fumetto, è stato il primo autore/disegnatore italiano a recarsi in Francia nel 2011, a Nizza presso il negozio “BD Fugué” per presentare un albo in lingua italiana (i due volumi di “Harcadya”). La sua sensibilità artistica ha avuto l’effetto di una funzione esponenziale nell’ambito comunicativo e di rappresentazione del mio mondo musicale in fumetto. Ha trasformato il mio storyboard in un’opera personalissima. Mi emozionavo come una bambina quando mi mostrava durante i nostri appuntamenti le sue tavole: quei disegni e quei colori superavano tutte le mie aspettative e sono sicura che è un’opera che emozionerà tante persone! La sua graphic novel viaggerà in synch con la musica durante ogni mio concerto: è una sorta di presentazione del mio mondo. Sarà presto presentata sui social network anche sotto forma di video. L’idea della graphic novel è nata proprio perché amo sperimentare attraverso la fusione dei linguaggi dell’arte; non ho mai considerato le diverse espressioni artistiche ed i processi creativi come meccanismi che operano a compartimenti stagni. Lo scopo di questo incontro artistico è stato quello di fornire alla mia musica un nuovo strumento, stavolta visivo; è un mezzo per raccontare con semplicità i colori del mio mondo. Quest’opera ha anche dato voce a concetti complessi, come ad esempio il processo di songwriting – spiega in che modo ho adoperato la tecnica di scrittura dei nikki in musica in Sakura no Nikki – e rivela il mio modo di sentire le radici vesuviane. Il processo di semplificazione è stato l’obiettivo e il percorso arduo che avevo deciso di intraprendere per presentarmi, anche attraverso la graphic novel, a coloro che ascolteranno la mia musica durante i concerti: direi proprio che Enzo Troiano è riuscito a portare a termine questa missione con grande stile! Sono diventata una sua fan e non vedo l’ora di seguirlo nei suoi prossimi appuntamenti editoriali, a breve pubblicherà per l’Editore Giochi Uniti il suo progetto “Omegha”: il fumetto in concomitanza con Lucca 2016 e per il periodo di Natale, il gioco ad esso collegato.

La chiamano, deve suonare… la lasciamo andare perché siamo contenti, la ritroveremo… con noi, un legame si è creato, e con voi?

Simonetta Santamaria, è scrittrice di thriller e horror. Giornalista, irriducibile motociclista, amante dei gatti e delle orchidee.
Il suo sito è www.simonettasantamaria.net


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